国画的畜兽画基本技法 畜兽又称走兽是中国画中较难表现得好的一门，宋朝沙门 德洪即指出：「画工能为神鬼之状，使人动心骇目者，以其无 常形，无常形可以欺世也，然末始以为贵。惟犬马牛虎有常形 ，有常形故昼者难工，世之人见其似，则莫不贵之。」由此可 见畜兽有常形，即每一种动物都有一定的体型、比例与动态， 稍不谨慎，观察得不够仔细，即容易流为笑柄。常画的畜兽有 马、牛、虎、狮、鹿、羊、猿猴、猫、犬、狸、兔、驮、骡以 及象徵权势的龙等，每一种走兽各有不同的特徵与习性，作画 前必先详细的观察与写生。 　　畜兽的观察与写生 　　我国古代画家即非常重视观察，譬如擅长画獐猿的北宋画家易元吉，曾游荆、湖间，深入山区，观察野兽的动静游息之态，故其走兽画富有生趣。李公麟每次经过癖舍，看到其中的御马，必终日观察，无暇与客人交谈，故能画出马的特 [详细...]

　要欣赏中国绘画，对中国画中有名的“四君子”是不可不进行了解和研究的。 　　“四君子”是指中国画中的梅、兰、竹、菊，中国古代绘画，特别是花鸟画中，有相当多的作品是以它们为题村的，它们常被文人高士用来表现清高拔俗的情趣：正直的气节、虚心的品质和纯洁的思想感情，因此，素有“君子”之称。 　　我们先说梅。我们知道，梅花较耐寒，花开特别早，在早春即可怒放，它与松、竹一起被称为“岁寒三友”，人们画梅，主要是表现它那种不畏严寒、经霜傲雪的独特个性。那么，梅花是在什么时候开始入画的呢？ 　　据画史记载，南北朝已经有人画梅花，到了北宋，画梅就成了一种风气，最有名的是仲仁和尚，他创墨梅，画梅全不用颜色，只用水墨深浅来加以表现 [详细...]

学..习..内..容 ....主要内容有头像、手、足、半身像及全身像等。 ....人物头像是人物最主要的部分，是人物精神面貌所在。素描头像是历年美术高考素描考试的重点。 人物头像....由脸部、五官、颈部等组成，而脸部又有不同的形状，有人把他区分为“田、由、国、用、目、甲、风、申”等字型，这些形态主要是由人物头部的骨骼所决定的。因此在画头像时，先要把 如头部的10个主要骨点：顶盖隆起，额丘，顶隆起，眉弓、鼻骨、颧骨、颞骨乳突、下颔角、颏隆起、枕外结节；还有头部的8块骨头：额骨、颧骨、鼻骨、颞骨、顶骨、上颔骨、下颔骨、枕骨。 此外，要了解用于刻画人物表情的头部肌肉，并要分析、研究头部的形体结构，也就是 [详细...]

水有江、河、湖、海、瀑布、山溪之别，其画法亦相应有所不同。江宜空旷，河宜苍莽，湖宜平远，海宜浩瀚，瀑布宜奔放，山溪宜潺缓。在画的时候一方面通过不同的水纹变化来显现，另一方面可根据其他景物的特征及水中船只等景物让人感觉出来。 江水空旷，给人激流勇进、声势浩大之感，尤其是两峡之间交窄的江面，礁石险滩，洄流曲转，形成激流的旋涡。所以画时用笔勾线的变化就应该有急有缓，有松有紧，长线断线，时曲时折，把水的动感和气势画出。要把握好水的整体气势，水流的变化、走向要统一而有节奏。 河水的水面及水势都比江水小，水流也平缓安静。水纹的变化平中有动，动中寓静。画河水的水纹最好用拖笔来勾写，水纹不多，寥寥数笔，可显现出水的流向动感。 海水是浩瀚和汹涌澎湃的，水面多有波浪，风大时还有巨浪，山崖礁石旁的海水浪花更是变化丰富。画时 [详细...]

五 官....是人物的主要特征。如眼睛，是传达内心情感、感知外来事物最敏锐的器官。所谓“洞察秋毫”，在这个意义上说，人的眼睛非常微妙，具有探幽入微之特点。因此描绘人的眼睛就显得非常重要。眼睛一般是由这几部分组成：上眼睑、下眼睑、眼裂、眼白、瞳孔、虹膜。其眼形又可分为方形眼、圆形眼（虎眼、杏眼）、丹凤眼、三角眼等。由于眼睛的无限丰富的变化与活动，它在人物脸上表演出一幕幕“生动的活剧”来。如老年人的眼睛，大都阅历丰富，风霜饱经，呈现出老人特有的坚毅、稳重、智慧的神态，富有亲切、慈祥之特点；而年轻人的眼睛，大都是风华正茂，奋发向上，表现出年轻人特有的朝气，活泼、开朗、热情、坦诚；有的潇洒、帅气，有的文静、娴淑也有的豪爽、热烈等等。分析、研究这些不同人物、不同年龄层次，不同风格的眼睛，对于把握整个对象，是十分 [详细...]

中国花鸟画主要以折枝花卉的形式规划画面，以小见大，塑造典型的自然空间。花鸟画应如何处理构图呢？以文章作比喻，就是要处理好“起”、“承”、“开”、“合”这几个阶段。下面我们就以王雪涛的《梅花喜鹊图》构图处理，来了解画面章法的处理。 《梅花喜鹊图》中梅花是主体部分，自下而上在画面中的表现经过了几个阶段：起——由右下方近角处，粗干的梅枝和细干的山茶一并发干；承——承前启后，取弧形顺势向上，引发花枝；开——梅枝与山茶左右展开，花繁叶茂，且有回首双鹊，热闹非凡；合——主干引发向上急向右转，一喜鹊俯身转回，首与左面的双鹤相应，俯身又与右下角昂首的喜鹊相迎， [详细...]

在中国远古绘画中，色彩一直扮演着一个非常重要的角色，直至唐宋，中国绘画几乎都是重色的。甚至在明清之前，中国绘画的名称不是现代所称“中国画”，而是用色彩中的两种颜色名称－－“丹青”为其命名，由此可见色彩是中国绘画不可分割的重要组成部分。魏晋之际，在色彩的探索、研究和运用上，已相当成熟，并形成了一整套的用色原则和方法。南齐的谢赫将中国绘画特有的设色规律和用色原则加以总结，在《古画品录》的“六法”中提出了“随类赋彩”的敷彩制形理论。在色彩的运用上，中国绘画和西方绘画走了一条完全相反的道路，中国绘画不以客观环境为依据，崇尚人的主观感受，从来就不重视“光”的作用，更不认为在不同光线条件和空间环境中色彩会有微妙的变化，认为世界上所有物体的颜色 [详细...]